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Horrific and fascinating sculptures Sarah Louise Davey

Horrific and fascinating sculptures Sarah Louise Davey. (USA)

Sarah Louise Davey - Buttercup sculpture

Sarah Louise Davey – Buttercup sculpture

Disturbing beautiful sculptures by Sarah Louise Davey are painted ceramic, embodying creatures with tortured, glazed stares, and strange growths either covering their eyes or framing them like sick, rotten petals of flesh carved out around an astonishingly open iris. They look like paintings on porcelain, and the bold, dark lines sketching their features out against the chalky whiteness of the ceramic hold a horrific and fascinating quality. 

Inquietantes sculptures de Sarah Louise Davey, incarnant des créatures torturées, aux regards vitreux, avec souvent des excroissances étranges – couvrant les yeux ou la bouche. Ses sculptures ont un aspect porcelaine, une blancheur crayeuse leur donnant une aura nauséabonde et fascinante.

  • Felieke van der Leest – toro jewelry
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Felieke van der Leest – Jewelry

Felieke van der Leest – Jewelry designer (Netherlands)

« When I am working with colours, I feel like a painter. When I am working with metal, I feel like a constructor. And when I am working with toys, I feel like a child. »

Felieke van der Leest - Jewelry toro

Felieke van der Leest – Jewelry toro

  • Géraldine Georges Illustrations
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Géraldine Georges Illustrations

Géraldine Georges Illustrations, Illustrator from Belgium, Bruxelles.

Géraldine Georges Illustrations

After graduating from the Academy of Fine Arts in Brussels Géraldine worked as a graphic designer in various advertising agencies for 7 years. Towards the end of 2006, She started to work as a freelance illustrator. She did not felt like she was leaving behind the graphic design world but rather she was able to see & bring some graphic design elements into her illustrations. The two are inevitably linked for her. Her approach is pretty simple, she tries her best to transcribe emotions, find a perfect balance through the collages without falling into the trap of over-using Photoshop or other effects…

L’avant-projet de la loi sur la création et le patrimoine fait peu de cas des artistes plasticiens

L’avant-projet de la loi sur la création et le patrimoine fait peu de cas des artistes plasticiens,
seule mesure concrète : la possibilité de bénéficier du RSA.

loi art plastique MDA

Projet de loi création / La loi sur la création oublie les arts plastiques – par Fournol Alexis –
publié dans Le Journal des Arts n° 427 – 16 janvier 2015

Le texte de l’avant-projet de la loi sur la création et le patrimoine fait peu de cas des artistes plasticiens. Seule mesure concrète : la possibilité de bénéficier du RSA. L’article premier inscrit pourtant, non sans grandiloquence, la liberté de création « au socle des libertés fondamentales ». Sur le plan de l’enseignement, un rapprochement se dessine entre l’art et le spectacle vivant.
PARIS – Le texte de l’avant-projet de loi relative à la liberté de création, à l’architecture et au patrimoine, qui doit passer devant le Conseil d’État avant d’être présenté au premier semestre 2015 en Conseil des ministres, accorde bien peu d’attention aux arts plastiques. Sur les quinze articles du volet relatif à la liberté de création et à la création artistique, seuls trois d’entre eux visent indirectement les artistes plasticiens. La volonté déclarée de la ministre de la Culture, auprès de la commission des Affaires culturelles de l’Assemblée nationale en octobre 2014, de présenter un texte « ambitieux » fait peu de cas des arts plastiques. Pourtant, la ministre avait réitéré dans un communiqué de novembre 2014 sa volonté de soutenir la profession. À lire ce communiqué, le projet de loi « concernera l’ensemble des enjeux de la culture, permettant ainsi à la Nation de reconnaître ce qu’elle doit aux artistes et à leur liberté de création et d’améliorer son soutien aux artistes ». La version actuelle de l’avant-projet de loi ne s’en fait nullement l’écho.

Grands principes
Résultat de la fusion de plusieurs textes, le présent avant-projet combine de nombreuses dispositions pour lesquelles il est bien délicat de dégager une ligne directrice. Le désintérêt manifeste porté aux arts plastiques apparaît d’autant plus flagrant au regard de l’avant-projet de loi d’orientation sur la création dans les domaines du spectacle vivant et des arts plastiques, dans sa version d’octobre 2013, dont certaines dispositions sont néanmoins reprises. Ainsi, la réforme du régime de protection sociale des artistes auteurs, qui figurait pourtant dans le précédent avant-projet, a disparu. Il en est de même pour les « objectifs des politiques publiques de soutien à la création artistique dans les domaines du spectacle vivant et des arts plastiques ». Ceux-ci auraient dû donner lieu à des missions spécifiques confiées à des acteurs publics liés à la création, à de nouveaux partenariats avec les collectivités territoriales et à une politique de soutien à la création. De ces objectifs, il ne demeure désormais qu’un article premier fort développé, un peu pompeux et dépourvu de portée normative. Morceau choisi : « La Nation protège la liberté de création artistique qui contribue à la pérennité du caractère démocratique d’une société et à la cohésion sociale. Elle l’inscrit au socle des libertés fondamentales en ce qu’elle participe à l’émancipation de la personne ainsi qu’au développement de la pensée, des idées, de la connaissance et du respect de la diversité des cultures. »

La reconnaissance portée par la nation aux artistes plasticiens se résume alors à une seule proposition concrète : la possibilité de bénéficier du revenu de solidarité active (RSA). À condition toutefois que l’artiste auteur, notamment d’œuvres graphiques, plastiques et photographiques, tire « de la vente et de l’exploitation de ses œuvres des revenus n’excédant pas un montant fixé par décret », conformément au futur alinéa de l’article L. 262-7 du code de l’action sociale et des familles. D’un montant maximal de 513,88 euros en 2015 pour une personne seule et sans enfant, ce revenu constituera certes un complément parfois nécessaire, auquel les artistes n’avaient à ce jour pas droit, mais ne peut fonder en lui-même une réelle politique de soutien à la création artistique.

Convergence des écoles
Quant au futur observatoire de la création artistique, celui-ci aura « pour mission d’éclairer les acteurs économiques et les pouvoirs publics sur les évolutions sociologiques, économiques et sociales des secteurs du spectacle vivant, des arts plastiques et des industries culturelles ». Conçu à l’origine au seul bénéfice du spectacle vivant et des arts plastiques, l’ajout des « industries culturelles » interpelle, marquant assurément les préoccupations actuelles de la ministre. Par ailleurs, le texte de 2013 prévoyait la remise d’un rapport d’information tous les trois ans au Premier ministre et au Parlement sur l’évolution du secteur de la création artistique et des politiques publiques en faveur du spectacle vivant et des arts plastiques. La disparition d’un tel rapport ne manque pas d’interroger sur la nécessité et la pertinence d’un nouvel observatoire au périmètre d’étude élargi et aux prérogatives amoindries.

Enfin, les grandes problématiques liées à l’enseignement artistique sont réduites a minima. Il est uniquement envisagé « d’organiser une convergence entre les établissements d’enseignement supérieur des secteurs du spectacle vivant et des arts plastiques supérieurs en les regroupant sous une même appellation ». Une ordonnance précisant cette réforme devra être prise dans un délai d’un an suivant la promulgation de la loi. Et la convention collective pour les arts plastiques, attendue depuis des années, n’est nullement mentionnée. L’ambition est donc reportée à demain. Devant l’Assemblée nationale, l’actuelle ministre énonçait que la future loi « constitue un geste politique, affirmant le caractère national de notre politique culturelle et permettant l’adaptation d’un certain nombre de principes fondateurs ». Si le geste politique est bien présent, il valorise et soutient surtout les artistes-interprètes, le cinéma et le spectacle vivant.

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Beautiful Art Tapestries sculptures of Frederique Morrel

Beautiful Art Tapestry sculptures of Frederique Morrel. Multi-talent artiste (France, Paris)

Craquage total pour l’œuvre très créative de cette artiste !
Un univers frais, coloré et joyeux.

Frédérique Morrel - bonny - mixed media textile sculptures

« We speak to animals in their own language. We like materials that tell stories of simple, ideal happiness, and that have been caressed by many hands.
We are inspired by Adam and Eve. The Garden of Eden. temptation. Original sin. The fall of man. Paradise Lost. Deluge. Apocalypse. Noah’s ark. Redemption. Re-birth. Vanities. Veneration.
We Question the dynamics of man vs woman, craft vs industry, of art vs decoration, of man vs animal, of beauty vs ugly, luxury vs cheap. »

  • Marie-josee Roy – Junon, detail
  • Marie-josee Roy – Junon, 60×42, photo transfert sur aluminium meulé, gravure au burin- Jerome Prieur
  • Marie-josee Roy – Nous sommes un, 60×36, technique mixte sur aluminium.gravure au burin, Jerome Prieur
  • Marie-josee Roy – Le corps formé de fulgurance 40×28, Technique mixte sur aluminium
  • Marie-josee Roy – Le cantique des cantiques, sculpture detail
  • Marie-josee Roy – Le Cantique des Cantiques, 42x16x3 acier, bronze, sculpture murale
  • Marie-josee Roy – La priere d’ouverture, 84×60
  • Marie-josee Roy – L’onde cantique
  • Marie-josee Roy – L’Onde Cantique 84×60, technique mixte sur aluminium, gravure au burin- Jerome Prieur
  • Marie-josee Roy – Sculpture Le pieu, détail
  • Marie-josee Roy -Lumen 60×84 huile, photo tranfert sur aluminium.

Beautiful Metal ART – Marie-josee Roy

Beautiful Metal ART – Marie-josee Roy (Canada),
Sculptures
et pour les peintures métales, Technique mixte sur aluminium. Gravure au burin, Jerome Prieur.

Marie-josee Roy - L'onde cantique

Marie-josee Roy – L’onde cantique

Depuis 20 ans, le métal exerce toujours aussi fortement sur l’artiste son pouvoir d’attraction.
Ses peintures, sur métal, aliant photographies, encre à l’huile, gravure……
Ses sculptures métalliques forgées, soudées ou coulées, …
Cette matière, elle l’a fait sienne.
Marie-Josée Roy ressent le métal comme s’il était devenu une partie de son corps. Une seconde peau. Une armure., le murmure d’une armure.
L’artiste trace un parallèle entre les les propriétés magnétiques, résilientes, fusionnelles, lumineux du métal et les relations humaines qui leur sont communes.
Son expression est physique, et pas seulement parce que travailler le métal demande de la force, elle est physique, point. Pas final cependant. Au contraire. Cela ouvre un grand pan sur sa personnalité et sur la nature intrinsèque de son expression. De la candeur affective et de l’humilité amenées à l’image avec une facture poétique, intense et venant du ventre.
Par le feu et le métal, le  chaud et le froid à la fois, Marie-Josée Roy dépouille toute pensée unissant essences opposées, Elle  extériorise l’intériorité de l’être.

Since more than 20 years, metal has been and still is showing life and attraction between Marie-Josée Roy’s chiselling hands.
Her paintings, on metal, matching with photography, ink oil, engraving…
Her metallic sculptures, forged, welded, poured..,
Marie-Josée Roy feels the metal like if it was one of her body’s vital organ. A second skin, an armor, the murmur of an armor.
The artist traces a parallel between the magnetic, resilient, fusional, and bright features of the metal and the human relations to which they are related.
Her mean of expression is physical, and not only because working the metal relies on strength, she is physical, period. But, however, not final. On the contrary. It unfolds a huge aspect of her personality and of the inherent nature of her expression. Affective naïvety and humility sticking to the picture with a poetic, intense signature coming from deep inside.
From fire and metal, warm as cold, Marie-Josée Roy relieves any thought unifying opposite essences. She exteriorises the interiority of being.

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  • Becky Grismer – sculpture New Skin
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Becky Grismer Art

Becky Grismer Art – sculptures, watercolor & acrylics (USA)

Becky Grismer - sculpture New Skin

Becky Grismer – sculpture New Skin

Sculptures New Skin is part of a series of tree bark figures that are meant to represent some of the individual characteristics shared by trees and humans. New Skin III represents the common characteristic of both trees and humans naturally exfoliating their skin. The sculpture is made entirely from birch and hickory shag bark. Both are trees that naturally shed their bark or « skin ».

 

  • Sophie Ryder Artist – Transparent Minotaur [Wire, 2013]
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Sophie Ryder sculpteur

Sophie Ryder sculpteur.

Sophie Ryder, minotaure, cheval, lievre

Sophie Ryder, minotaure, cheval, lievre


Né à Londres, en 1963. La plupart des sculptures de Sophie Ryder sont des créatures mythiques, mi-humains mi-animaux. Sa pièce la plus connue est le lièvre Dame, un lièvre avec un corps humain de sexe féminin.. Les sentiments et les émotions sont directement reliés à l’artiste elle-même. Elle utilise des animaux pour explorer les émotions humaines et montrant que les sentiments peuvent être lus. « Le Dame Lièvre m’est venue lorsque je cherchais un compagnon pour le Minotaure. Je voulais un corps de femme avec une tête d’animal et la tête de lièvre semblait fonctionner parfaitement. Elle est généralement accompagnée par un Minotaure, d’un chien ou d’un cheval, et plus récemment seule. l’apparence a également changé et il y a quelques années, la tête est devenue plus définie comme un masque pour montrer plus clairement qu’elle est un sous-homme. »

Sophie Ryder was born in London, England, in 1963. She studied Combined Arts at the Royal Academy of Arts where, while obtaining her diploma in painting, she was encouraged by fellow artist to develop her sculpture. Inspired by Picasso, Goya and Henry Moore, she famously developed the Lady Hare as a counter part to Ancient Greek mythology’s Minotaur.

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Sabrina Gruss – sculptures mixed-media – La cavale

/// Sabrina Gruss was born in Paris in 1958. It is during in her early childhood that the creation invites itself in her games. A the age of twenty, she moved to Provence where she studied to the School of fine Arts of Avignon and obtains in 1983 the Upper National Diploma of Plastic Expression. It is in 1993 that she develops her artistic personality. She settles down in the countryside where the surrounding nature suplies her all she needs to express herself and bring to life a strange and dreamlike world inhabited by characters made of bones, feathers and fibers. From 2000, her creatures, as she calls them, are exhibited in galleries. She is especially permanently represented by galleries Béatrice Soulié in Paris and Richard Nicolet in Provence. In addition to her artistic creation, Sabrina Gruss conducts art workshops in psychiatric institutions, jails and for youn adults in insertion. She is also involved in the artistic direction of exhibitions, for example in 1990 and 1991 for the Avignon Festival and in the design and realization of fountains, playgrounds, murals paintings, integrated into the urban landscape. ///
(Source txt en : lacavegalleryonlineshop.fr)

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I make work about human and animal nature. I gravitate towards figurative and animal imagery that has a dreamlike quality. I exhibit work locally and nationally. I generally make work under 28” in height as I prefer work that is easily transported, and displayed. I am very much influenced by contemporary figurative art. I force myself to work a certain number of hours per week on the actual hands-on creation of my pieces. I work weather I’m inspired or not. If I don’t have a particular idea, I work anyway and let the ideas come. I don’t believe that inspiration is the motivator of art; I believe hard work is. If you work hard enough, inspiration will come. I research galleries and am not afraid to contact them. The worst they can say is no. I also produce as much as I can. I try to find galleries in which my work would fit. Lately, I have been getting more and more invitations to be in shows all over the country. I find this really flattering and love this new avenue that seems to be opening up for me.

She lives in Buffalo, New York, and is represented by Del Mano Gallery in Los Angeles, California.

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Kate Clark, L’ animal est un homme inexpressif * et je reste dubitative de son travail, n’étant absolument pas fan de la taxidermie en général. [animal is an expressionless man]

Kate Clark is a sculptor who lives and works in Brooklyn, NY. Her work studies the tension between personal and mythical realms by creating sculpture that synthesizes the human face and the body of wild animals.

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Kate Clark - taxidermie art sculpture animal / Human details

Kate Clark – taxidermie art sculpture animal / Human details

« Son concept est né lors de ces études, à l’université d’Ivy League, en lisant le livre « Becoming Human : Evolution and Human Uniqueness » de Ian Tattersall.

Elle s’attarde sur un chapitre sur l’évolution du visage humain. Cette partie du livre traite des changements spécifiques ayant eu lieu sur le faciès humain avec le temps tels que le visage imberbe, le blanc des yeux, les sourcils, … et en quoi ils ont permis de faciliter la lecture d’une grande variétés d’expressions faciales.

Ces oeuvres sont créées à partir de vraie peau animale. Pour la création des têtes, elle sculpte les visages de ces oeuvres de manière à ce qu’elles soient crédibles et réalistes.
Les sections de peau qui recouvrait auparavant le visage de l’animal sont rasées de leur fourrure et apposées sur le visage sculpté en prenant soin de faire concorder, par exemple, les cils et les paupières de l’animal avec le pourtour des yeux humains. Cette peau rasée rappelant, par son côté huileux et poreux la peau humaine pour plus de réalisme bien que les coutures et points montrent un travail de reconstitution. Il a fallu de nombreux essais pour qu’elle soit capable de trouver l’équilibre entre les traits faciaux animaux et humains.« 

*(Titre et une partie de l’article, lire la suite sur efonderie)


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